by 오르세미술관은 19세기 미술의 보물창고로, 인상주의와 후기 인상주의의 걸작들을 감상할 수 있는 곳이에요. 오르세미술관에서 꼭 봐야 할 작품을 고른다면
- 에두아르 마네의 ‘풀밭 위의 점심식사’:
- 빈센트 반 고흐의 ‘론강의 별이 빛나는 밤’
- 장 프랑수아 밀레의 ‘이삭줍는 여인들’
- 오귀스트 로댕의 ‘생각하는 사람’
👣추천동선
0층→5층→2층→0층
추천동선은 그래도 아는작품을 먼저보는 위주로 구성하였습니다.
아침일찍가는경우 최적의 동선이 될수있지만 사람들이 충분히 입장을한 다음에 방문하는경우라면
0층→2층→5층 순으로 감상하시는게 동선은 더 좋습니다.전시품위치 및 전시여부는 작품링크를 통해 확인바랍니다.
28실–43실–44실–40실–37실–36실–34실–35실–32실–31실–30실–29실–2층
29실–2층–68실–1실–2실–4실–6실–7실–14실–0층
⚜️오르세미술관
⭐시계탑(28실)
작품보다 시계탑을 먼저 방문하라고 하는이유는 여기 사람이 정말 많기때문에 여기서 사진을 찍고싶으면 무조건 오픈하고 바로 달려가라고 이야기해주고싶음.
사실 아침일찍 가면 0층 회랑을 가로질러서 5층으로 가는에스컬레이터를 타고 여기부터 방문하는것을추천
⚜️오르세미술관
⭐43실→45실(일방통행)
절대 늦게 오면 사람이 많아서 보기침든작품들이 여기다 몰려있음
0층에도 유명작품들이 많지만 0층은 아침일찍입장해도 사람이 많기때문에 5층부터 보는것을추천
29~37실은 조금있다 봐도 사람이 몰려서 보기힘든정도는아니지만 고흐의 작품은 유난이 사람이 많음
⭐43실
⚜️론 강의 별이 빛나는 밤에
(La Nuit étoilée , Starry Night Over the Rhone)
고흐Vincent van Gogh
🔗론 강의 별이 빛나는 밤에
1888년 2월 8일 아를에 도착한 순간부터, 반 고흐는 끊임없이 “야간 효과”의 표현에 몰두했습니다.1888년 4월, 그는 그의 형 테오에게 편지를 썼습니다: “저는 편백나무가 있는 별이 빛나는 밤이나 아마도 익은 밀밭 위가 필요합니다.”6월에 그는 화가 에밀 버나드에게 “하지만 언제 나를 계속 괴롭히는 이 그림인 별이 빛나는 하늘을 그릴 수 있을까요?”라고 고백했고, 9월에 그는 여동생에게 보낸 편지에서 같은 주제를 환기시켰다: “내게는 종종 밤이 낮보다 훨씬 더 풍부하게 채색되는 것 같습니다.”9월 같은 달 동안, 그는 마침내 그의 강박적인 프로젝트를 깨달았습니다.
그는 아를르 광장의 카페 테라스에서 야행성 하늘의 한 귀퉁이를 처음 그렸습니다.다음으로 론 강에 대한 이 견해가 나왔는데, 그는 어둠 속에서 그가 감지한 색깔을 훌륭하게 옮겨 담았습니다.블루스가 우세합니다.프로이센 블루, 울트라마린, 코발트.도시 가스등이 강렬한 오렌지색을 반짝이며 물에 반사됩니다.별들은 원석처럼 반짝입니다.
몇 달 후, 정신병원에 입원한 직후, 반 고흐는 같은 주제의 또 다른 버전을 그렸습니다.그의 고민하는 정신의 폭력성이 고스란히 표현된 별이 빛나는 밤(뉴욕, MoMA).하늘과 별들이 우주의 시야에서 회전하는 동안 나무는 불꽃처럼 생겼습니다.오르세 미술관의 별이 빛나는 밤은 더 고요하고, 캔버스 바닥에 연인이 한 쌍 있는 것으로 강화된 분위기입니다.
⚜️자화상
Portrait de l’artiste
고흐Vincent van Gogh
🔗Portrait de l’artiste1889
🔗Portrait de l’artiste1887
고흐의 자화상은 화가의 영혼에서 파생되는 고흐의 삶이 그대로 보여진다는 것 입니다. 반 고흐에게 자화상이란: 반고흐에게 자화상은 평생의 모티브였습니다. 예술가들은 저마다 각자 사랑하는 주제가 있는데, 반 고흐는 자신의 모습을 그리는 것을 특히 좋아했습니다. 그는 스스로를 인물화가라 칭하길 좋아했고, 인물화를 그리는 방식을 다듬기 위해 자화상을 그렸습니다. 또한, 그는 자신의 심리상태와 감정을 표현하기 위해 자화상을 그렸습니다. 그는 자신의 삶과 예술에 대한 이해를 돕기 위해 자화상을 그렸습니다.
반 고흐는 10년 동안 무려 43점의 자화상을 그렸습니다. 그 중 가장 유명한 것은 1889년에 생 레미 정신병원에서 그린 <자화상>입니다. 이 작품은 고흐가 귀를 자른 후에 그린 것으로, 고흐의 심리적인 고통과 불안감이 드러납니다. 작품 속 고흐의 얼굴은 수척하고 창백하며, 녹색과 청록색으로 채색되어 있습니다. 또한, 고흐의 시선은 화면 밖을 정면으로 응시하지 않고, 다소간 다른 곳을 바라보고 있습니다. 이러한 표현은 고흐가 자신과 세상과의 소통에 어려움을 겪고 있음을 나타냅니다.
반 고흐는 자화상을 그릴 때 거울을 사용했습니다. 따라서, 작품 속 고흐의 모습은 좌우가 바뀌어 있습니다. 예를 들어, 고흐가 귀를 잘랐던 것은 왼쪽 귀였지만, 작품 속에서는 오른쪽 귀로 보입니다. 또한, 고흐는 거울 속에서 본 자신의 모습이 아니라, 그가 느낀 자신의 모습을 그렸습니다. 즉, 작품 속 고흐의 모습은 현실적인 모습이 아니라, 상징적인 모습입니다.
반 고흐는 자화상을 그릴 때 색채와 붓질을 통해 감정과 상상력을 자유롭게 표현하였습니다. 예를 들어, 파리에서 머물던 시기에는 밝고 화려한 색채와 짧게 끊어진 선들을 사용하여 활기찬 분위기를 만들었습니다. 반면에 아를에서 머무는 동안에는 어두운 색채와 긴 선들을 사용하여 우울하고 침울한 분위기를 만들었습니다. 이러한 색채와 붓질의 변화는 고흐가 추구한 신인상주의와 후기인상주의의 영향을 받았음을 보여줍니다.
고흐의 자화상은 화가로서의 고흐와 인간으로서의 고흐를 동시에 보여주는 작품입니다. 이 작품은 고흐의 예술적인 독창성과 인간적인 감성을 잘 드러내는 작품입니다.
⚜️반고흐의 방
고흐Vincent van Gogh
🔗반고흐의 방
반 고흐는 그의 침실을 주제로 거의 동일한 세 점의 그림을 만들었습니다.첫 번째는 암스테르담의 반 고흐 박물관에서 1888년 10월에 실행되었고, 화가가 아를에 있는 병원에 있는 동안 발생한 홍수 동안 손상되었습니다.거의 1년 후, 반 고흐는 그것의 두 개의 복사본을 만들었습니다: 하나는 같은 크기로, 현재 시카고의 아트 인스티튜트에 있습니다; 다른 하나는, 네덜란드에 있는 그의 가족을 위해 제작된 오르세 미술관에서, 더 작습니다.
그의 형 테오에게 보낸 편지에서 빈센트는 그가 그러한 그림을 그리게 된 동기를 설명했습니다: 그는 평온함을 표현하고 색의 상징을 사용하여 침실의 단순함을 이끌어내고 싶었습니다.따라서, 그는 다음과 같이 설명했습니다.창백한 라일락 벽, 울퉁불퉁하고 빛바랜 바닥의 빨간색, 크롬-노란색 의자와 침대, 아주 옅은 라임 그린의 베개와 시트, 핏빛이 도는 붉은 담요, 오렌지색 세면대, 파란 세면대, 녹색 창문 등이 “나는 이 다양한 색깔로 절대적인 안식을 표현하고 싶었다”고 말했습니다.
이러한 다양한 색상을 통해, 반 고흐는 크레페 종이와 일본의 판화를 언급하고 있습니다.그는 설명했습니다: “일본인들은 매우 단순한 인테리어에서 살았고, 얼마나 위대한 예술가들이 그 나라에서 살았는지” 그리고 비록 일본인들의 눈에는 그림과 가구로 장식된 침실이 그리 간단하지 않게 보일지라도, 빈센트에게는 그것은 “나무 침대와 의자 두 개가 있는 빈 침실”이었습니다.마찬가지로 그는 거의 전적으로 직선으로 구성된 그의 구성과 관점의 불안정성을 보상하는 색 표면의 엄격한 조합을 통해 특정 희소성을 달성합니다.
⚜️오베르의 교회
고흐Vincent van Gogh
🔗오베르의 교회
프랑스 남부, 아를, 그리고 생레미 드 프로방스의 정신 병원에서 머문 후, 빈센트 반 고흐는 파리 외곽의 마을인 오베르쉬르-오이즈에 정착했습니다.그의 동생 테오는 그의 건강을 염려하여, 그 자신이 화가이자 수많은 예술가들의 친구인 가쳇 박사를 만나도록 격려했고, 그는 그를 치료하는 것을 수락했습니다.1890년 5월 21일과 7월 29일 그의 죽음을 사이에 두고 두 달 동안, 그 예술가는 많은 수의 그림은 말할 것도 없고, 하루에 한 점이 넘는 약 70점의 그림을 만들었습니다.이 그림은 오베르 교회 전체를 대표하는 유일한 그림으로, 때때로 마을 전체의 풍경 배경에서 구별될 수 있습니다.13세기에 초기 고딕 양식으로 지어진 이 교회는 두 개의 로마네스크 양식의 예배당이 옆에 있고, 화가의 붓 아래 용암이나 진흙의 급류처럼 땅과 두 개의 길에서 자신을 갈라놓기 직전의 화려한 기념물이 되었습니다.이 그림을 얼마 지나지 않아 그려진 클로드 모네의 루앙 성당 그림과 비교하면 반 고흐의 접근 방식이 인상파 화가들의 접근 방식과 얼마나 달랐는지 가늠할 수 있습니다.모네와는 달리, 그는 빛의 놀이의 인상을 기념물에 나타내려고 노력하지 않았습니다.비록 교회는 여전히 인식할 수 있지만, 그 그림은 보는 사람들에게 교회의 “표현”의 형태보다 현실에 대한 충실한 이미지를 제공하지 않습니다.반 고흐가 사용한 예술적 수단은 야수파와 표현주의 화가들의 작품을 기대합니다.
⭐44실
⚜️Arearea
고갱 Paul Gauguin
🔗Arearea
전경에는 그가 의심할 여지 없이 관찰한 몇 가지 모티브가 있는데, 그것들은 이 시기의 그림들을 통해 반복되기 때문입니다.그림의 중앙에는 두 명의 여성이 앉아 있고, 캔버스를 가로지르는 나무와 빨간 개가 있습니다.하늘은 사라졌습니다. 녹색, 노란색, 빨간색의 연속된 색상의 평면이 구성의 구조를 형성합니다.
배경에 있는 상상 속 장면에는 여러 명의 여성들이 조각상을 숭배하고 있습니다.고갱은 작은 마오리 조각상을 큰 부처의 크기로 확대했고, 신성한 의식을 발명했습니다.이 모든 요소들은 조화와 우울함으로 가득 찬 마법의 세계를 만들어냅니다. 인간은 신들의 보호 아래 호화로운 자연 환경에서, 고대의 이상화된 폴리네시아에서 살고 있습니다.
지역은 1893년 11월 파리에서 전시된 타히티 그림 모음집 중 하나입니다.고갱은 그의 이국적인 여행을 정당화하고 싶었습니다.하지만, 이 전시회는 그 예술가가 기대했던 열정적인 반응을 얻지 못했습니다.타히티어로 된 제목들은 그의 많은 친구들을 짜증나게 했고, 빨간 개는 많은 빈정거림을 유발했습니다.그럼에도 불구하고, 고갱은 지역을 그의 최고의 그림들 중 하나로 여겼고, 1895년에 그는 유럽을 영원히 떠나기 전에 그것을 다시 사기 위해 멀리까지 갔습니다.
⚜️고갱 백마
고갱 Paul Gauguin
🔗고갱 백마
고갱은 타히티에 두 번째 머무는 동안 이 유명한 그림을 그렸습니다.그는 시골을 배회하고 내륙의 산과 숲을 탐험하는 것을 좋아했습니다.이 외진 곳들은 그를 매혹시킨 온갖 종류의 야생동물과 식물들로 가득했습니다.
하지만 이 장면은 실제 상황에서 찍은 것이 아닙니다. 타히티의 풍경을 가상으로 합성한 것입니다.히비스커스의 일종인 부라오라고 불리는 토착 나무의 뒤틀린 가지와 전경의 백합과 상상의 꽃들이 주요 모티브를 장식하는 틀을 만듭니다.하늘과 지평선은 이 밀폐된 공간 밖으로 잠겨 있습니다.
초목의 녹색으로 물든 흰 말이 그 그림에 제목을 붙였습니다.구성을 통해 수직으로 흐르는 개울 한가운데 서서 마시는 것입니다.이 고독한 동물은 아마도 영혼이 다른 세계로 들어가는 것에 대한 타히티인들의 믿음과 관련된 상징적인 의미를 가지고 있을 것입니다.폴리네시아에서, 흰색은 죽음과 신에 대한 숭배와 관련이 있습니다.
신성한 동물 뒤에, 두 명의 나체 인물이 맨몸으로 멀리까지 타고 있습니다.풍경에서 이 세 가지 애니메이션 모티브의 계층화된 배열은 장면의 수직적이고 평평한 시야를 강조합니다.장식 효과를 강화하기 위해, 고갱은 호화로운 팔레트를 사용했습니다.녹색에서 에메랄드에 이르는 녹색과 짙은 파란색은 오렌지색과 분홍색 노트와 구리빛 피부와 대비됩니다.
진정한 아이콘이 된 이 캔버스에서 파라다이스 같은 고요함의 인상이 나옵니다.사진을 의뢰한 타히티의 약사는 고갱의 대담한 색 사용을 좋아하지 않았습니다.그는 말이 너무 풋내기라는 이유로 그것을 거절했습니다.
⚜️춤추는 잔느빌
로트랙 Henri de Toulouse-Lautrec
🔗춤추는 잔느빌
라 굴레와 여성 광대 차우-카오처럼 제인 에이브릴은 툴루즈-라우트렉이 즐겨 묘사한 밤 생활과 쇼 비즈니스의 일부였습니다.데미몬다인과 이탈리아 귀족의 딸인 제인 에이브릴은 물랑 루즈에서 춤을 추기 시작했고, 레 데카덴츠에서 경력을 이어갔고, 그 후 레 디반 자포니스에서 우승하기 전에 레 폴리 베르제르에서 우승했습니다.비록 그녀의 연약한 다소 천상의 모습이 그녀를 이 음습한 세계에서 다른 모습으로 만들었지만, 무대 위에서 그녀는 에너지와 우아함으로 가득 찬 곡예 댄서임을 증명했습니다.그녀는 심지어 동시대 사람들에게 ‘춤의 화신’으로 여겨졌습니다.
테레빈유로 희석된 유화 물감의 유동성을 사용하여, 그 예술가는 춤추는 실루엣의 우아함과 그녀의 발차기의 생동감을 포착했습니다.그의 스타일의 전형적인 힘과 경제성으로, 로트렉은 넓은 획으로 댄서의 움직임의 필수 요소를 스케치했고 그녀가 솔로 곡을 연주하는 환경의 몇 가지 요소를 만들었습니다.두 개의 그림이 거의 공백인 판지 조각의 배경에 나타납니다.비록 모자를 쓴 여성은 알려지지 않았지만, 그녀의 왼쪽에 있는 남자는 물랑루즈에서 영국인으로 알려진 유명한 석판화의 모델로 활동했던 감독 워너입니다.
평생 친구였던 제인은 1893년 툴루즈 로트렉의 여러 작품과 르 디반 자포니스 또는 르 자딘 드 파리의 포스터의 중심에 있었고, 이는 예술가와 모델의 이름을 비슷하게 만들었습니다.
⭐40실
⚜️황색그리스도가 있는 자화상
고갱 Paul Gauguin
🔗황색그리스도가 있는 자화상
고갱의 첫 타히티 여행 전야에 그려진 노란 그리스도와 함께하는 예술가의 초상화는 진정한 선언문입니다.사실 그것은 화가가 자신의 성격의 다른 면을 드러내는 3중 초상화입니다.아이들과 함께 덴마크로 돌아간 그의 아내에 의해 그 당시에는 거의 알려지지 않았고, 오해를 받았고, 버림받은 고갱은 식민지에 정착하기 위한 공식적인 임무를 얻는 데 어려움을 겪고 있었습니다.
중앙 그림에서, 고갱의 날카로운 시선은 이러한 문제들의 부담과 그의 예술을 계속하기 위한 그의 결심을 표현합니다.그 배경에서, 그는 미학적이고 상징적인 관점에서 서로 마주보는 두 개의 다른 작품들을 그렸습니다.
왼쪽에는 그가 자신의 모습으로 그린 승화된 고통의 이미지인 노란 그리스도가 있습니다.하지만 화가의 머리 위로 뻗은 그리스도의 팔은 또한 보호적인 제스처를 암시합니다.이 그림의 노란색은 화가의 페티시즘적인 색으로 오른쪽 선반에 서 있는 그로테스크 머리 형태의 항아리의 빨간색과 대조됩니다.고갱 자신이 “야인의 고갱의 머리”라고 묘사한 이 의인화된 항아리에는 재료를 석화시킨 거대한 열기의 흔적이 있습니다.인상적인 마스크와 원시적인 모델링으로 고갱의 고통과 그의 성격의 거칠음을 구현합니다.
고갱은 천사와 야수 사이, 신시즘과 원시주의 사이에서 자신이 경험하기 위해 준비하고 있는 위대한 인간과 예술적 모험의 중요성과 심각성을 예상합니다.
⚜️오르세미술관
⭐37실
⚜️서커스
쇠라 Georges Seurat (1859 – 1891)
🔗서커스
퍼레이드와 칸칸 다음으로, 서커스는 현대 도시의 인기 있는 명소와 심야 엔터테인먼트에 대한 수랏의 시리즈의 세 번째 패널이었습니다.
서커스 주제는 1880년대에, 특히 르누아르, 드가, 툴루즈-로트렉에 의해 자주 다뤄졌습니다.그러나 서커스는 분열주의 이론의 가장 인상적인 적용 중 하나로 여겨집니다.이 책에서, 쇠라는 선과 색의 심리적 효과뿐만 아니라 슈브렐과 루드에 의해 공식화된 색의 광학적 혼합에 대한 찰스 헨리의 이론을 해석합니다.
이 그림이 1891년 독립 미술관에서 전시되었을 때, 한 비평가는 “서커스의 모든 것은 유추를 통해 조화를 이루고, 반대의 조정을 통해, 유쾌함을 향해 음모를 꾸민다: 상승선, 연속적인 톤 대비, 뚜렷한 오렌지 우세,전체와 톤과 색상의 대립을 만드는 프레임으로 강조됩니다..”.
무대와 예술가를 위한 공간, 모든 곡선, 역동적인 긴장 또는 불균형으로 가득 찬 양식화된 아라베스크와 나선형, 그리고 좌석과 대중을 위한 공간, 경직되고 직교적이며 움직임이 없으며 엄격하게 기하학적입니다.색상 체계는 또한 정확한 규칙을 따릅니다. 순수한 빛, 흰색의 원시 색상이 캔버스를 지배합니다.그런 다음 팔레트는 빨간색, 노란색 및 파란색의 세 가지 기본 색상을 조화시키고 선의 리듬을 반영하는 작은 체계적인 브러시 스트로크로 변조합니다.마지막으로 쇠라는 캔버스에 직접 칠해진 어두운 테두리와 같은 색조의 푸른색의 평평한 프레임으로 그의 그림을 분리하여 작품의 필수적인 부분으로 만듭니다.
살롱이 문을 연 지 며칠 만에 화가가 디프테리아로 사망한 이 미완성 그림으로, 쇠라는 19세기에 큰 대중적 관심의 주제인 예술적 창조와 과학적 분석 사이의 공생을 창조하려고 했습니다.
⭐36실
⚜️우물가의 여인들
신야크Paul Victor Jules Signac
🔗우물가의 여인들
1891년 쇠라가 죽은 후, 시냐크는 화가로서 그리고 신인상주의 그룹의 이론가로서 그의 작품을 추구했습니다.1892년, 그는 파리를 떠나 생트로페로 가기로 결정했고, 그곳에서 1913년까지 1년에 6개월을 보내기로 했습니다.1892년 여름 동안 생트로페 항구의 작은 형식의 그림을 몇 점 그린 후, 이듬해 시그낙은 이상적인 사회의 우화이자 행복한 삶의 삽화인 Au Temps d*’Harmonie*라는 큰 구성을 시작했습니다.이 그림을 위한 그의 첫 번째 스케치 중 하나에서, 두 명의 여성이 우물에서 물을 끌어오느라 바쁜 것을 볼 수 있습니다.시그낙은 이 두 인물을 고립시키고 그들에게 그림을 바치기로 결심했습니다.그가 장면을 설정한 풍경의 모든 요소들은 생트로페에 실제로 존재합니다: 성채가 꼭대기에 있는 언덕, 바다와 항구의 부두, 모레스 언덕과 에스텔 언덕, 하지만 화가는 몇 번의 그림과 준비 연구 끝에 그것들을 마음대로 합성하여 캔버스에 새로운 풍경을 만들었습니다.
이 그림은 1893년 살롱 데 인디펜던트(Salon de Independent)에서 전시되었으며, 제목은 “Jeunes Provençales autuit”(프로방스에서 온 어린 소녀들이 우물에 있는 패널을 위한 *장식)*입니다.시그낙이 선택한 부제는 작가의 작품에서 “아랍에 일화를 희생하고, 재고를 합성에 바치는 장식적인 발전이 큰 예술”을 감지한 비평가 펠릭스 페네온의 의견을 초로 합니다.
⭐34실
⚜️지베르니연못의 수련
Le Bassin aux nymphéas, harmonie verte1899
클로이드 모네 Claude Monet
🔗지베르니연못의 수련
⭐35실
⚜️피아노앞의 소녀들
르느와르 Auguste Renoir (1841 – 1919)
🔗피아노앞의 소녀들
1890년대 초, 르누아르의 친구들과 숭배자들은 프랑스 국가가 그 화가로부터 공식적으로 어떤 구매도 하지 않았다는 사실에 예외를 두었습니다. 그 당시 거의 50세였습니다.1892년, 예술가를 알고 존경했던 스테판 말라르메는 보 예술 행정부의 젊은 구성원이자 새로운 경향에 개방적인 로저 마르크스의 도움을 받아 인상주의 작품들을 국립 박물관에 들여오기 위한 조치를 취했습니다.이것은 어떻게 행정부의 비공식적인 의뢰에 따라 피아노의 어린 소녀들이 획득되어 룩셈부르크 미술관에 배치되었는지를 보여줍니다.
강하고 유연한 드로잉이 인물을 명확하게 정의하는 이 그림뿐만 아니라 팔레트의 서정성에 자유로운 고삐를 죄는 동시에, 우리는 동일한 구성을 사용하는 세 가지 다른 완성된 버전(하나는 뉴욕 메트로폴리탄 박물관에 있고 다른 두 가지는 개인 소장품에 있음)을 알고 있습니다.또한 유화 스케치(파리 미술관, 랑게리에 미술관)와 같은 크기의 파스텔(개인 소장품)도 있습니다.이 모티브의 반복은 르누아르가 이미 다룬 주제에 대한 관심을 보여줍니다.우리는 그 화가가 항상 불만을 품고 계속해서 그의 그림을 다시 그린다는 것을 알고 있지만, 하나의 그리고 같은 구성에 대한 그러한 집중적인 노력은 여전히 독특합니다.아마도 우리는 이것에서 박물관들에게 완벽하게 완성된 작품을 제공하려는 그의 열망을 보아야 할 것입니다.또한 그의 친구 클로드 모네가 동시에 개발하고 있던 “시리즈”를 생각하지 않을 수 없습니다(헤이스택스, 1891; 루앙 대성당, 1892).
18세기 프랑스 화가들, 특히 Fragonard에게 매우 인기 있었던 고전적인 주제를 상기하면서, 르누아르는 우아한 어린 소녀들로 가득 찬 이상적인 세계를 그리기 위해 노력했습니다.하지만 그는 단순한 모방을 비난하면서 그 시대의 화가가 되기를 원했고, 우아하고 편안한 가구를 갖춘 부르주아적인 내부를 우리에게 보여주었습니다.
⚜️카드놀이하는사람
세잔Paul Cézanne
🔗카드놀이하는사람
세잔은 그의 고향인 엑스앙프로방스의 박물관에 있는 Le Nain 형제의 것으로 여겨지는 The Cardplayer를 확실히 보았습니다.1890년대 동안, 그 예술가는 카라바얀 영감이라는 주제에 많은 경우에 도전했고, 그 대립에 특별한 중력을 주었습니다.세잔은 조용한 집중 속에 있는 부피가 큰 인물과 인물들로 미묘한 몸짓과 시선을 대신합니다.
빛이 흐르는 병은 구도의 중심축을 형성합니다.공간을 두 개의 대칭적인 영역으로 구분하여 선수들의 반대를 강조합니다.후자는 세잔이 엑스 외곽에 있는 자스 드 부판에 있는 그의 아버지의 재산에서 보곤 했던 농부들이라고 전해집니다.파이프를 피우고 있는 남자는 그곳의 정원사인 “페르 알렉상드르”로 확인되었습니다.
이 주제에 관한 다섯 점의 그림 중에서, 이것은 가장 여분의 그림 중 하나입니다.여기에 모든 것이 모여 구성에 기념비적인 측면을 제공하며, 놀라울 정도로 조화로운 색상 범위가 도움이 됩니다.
세잔의 말년 예술에서 카드 플레이어의 재발은 흥미로운 해석을 낳았습니다: 두 플레이어의 대립은 예술가가 여기서 “플레이 카드”로 대표되는 자신의 그림을 아버지가 인식하도록 하는 데 겪었던 투쟁을 상징합니까?
⚜️사과와 오렌지
세잔Paul Cézanne
🔗사과와 오렌지
비록 세잔느가 그의 경력의 시작부터 정물적인 구성을 그렸음에도 불구하고, 이 장르가 그의 작품에서 필수적인 위치를 차지하기 시작한 것은 후대의 일이었습니다.사과와 오렌지는 이 시기에 속합니다.
그것은 1899년 세잔의 파리 스튜디오에서 제작된 여섯 개의 정물화 시리즈의 일부를 형성합니다.각각의 그림은 동일한 부속품을 특징으로 합니다: 토기 접시와 꽃무늬로 장식된 항아리.17세기 플랑드르의 정물화를 연상케 하는 드레이프 천을 사용하여 그들의 배치 또한 유사하여 전망을 닫습니다.그러나 복잡한 공간 구성에 의해 만들어진 역동적인 효과와 배치된 물체에 대한 세잔의 주관적인 인식은 그의 본질적으로 그림적인 접근을 보여줍니다.
그의 예술적 언어의 엄격함과 가소성을 통해, 세잔은 샤르댕 이후 프랑스 회화의 전통적인 장르에 새로운 생명을 불어넣습니다.현대성과 호화로운 아름다움을 겸비한 사과와 오렌지는 1890년대 후반 예술가들이 만들어낸 가장 중요한 정물입니다.
⚜️여자와 커피포트
세잔Paul Cézanne
🔗여자와 커피포트
이 초상화의 모델은 정확하게 확인되지 않았지만, 그녀는 아마도 엑센 프로방스 근처에 있는 세잔네 가족의 집인 자스 드 부판의 직원 중 한 명이었을 것입니다.세잔은 그가 수줍음을 느끼고 매우 천천히 그림을 그렸기 때문에 아마도 그의 가족이나 그가 잘 아는 사람들과 일하는 것을 선호하여 전문적인 모델을 거의 사용하지 않았습니다.이러한 근접성에도 불구하고, 커피포트를 가진 여자는 성격보다는 형태에 대한 연구입니다.
구성의 주요 요소인 여성의 몸, 컵, 커피포트는 수평과 수직의 엄격한 배열로 매우 단순화된 방식으로 그려집니다.부피에 대한 기하학적 접근과 테이블 위에 서 있는 물체보다 더 높은 각도에서 표현된 테이블의 기울기는 큐비즘을 예고합니다.
아마도 1895년경에 실행된 것으로 추정되는 이 그림은 인상주의에서 벗어나기 시작한 지 20년 후 세잔의 예술의 변화를 기록하고 있습니다.그는 “원기둥, 구체, 원뿔을 통해 자연을 다루기”를 원했고 정물화처럼 이 초상화에 접근했습니다.그럼에도 불구하고, 모델의 거친 손과 평범하지만 위엄 있는 얼굴은 이 “단순한 삶의 기념비적인 아이콘”(F. Cachin)에 대한 화가의 동정을 보여줍니다.
⭐32실
⚜️양산을 쓴 여인
모네Claude Monet (1840 – 1926)
🔗양산을 쓴 여인
⭐31실
⚜️도시의무도회, 시골의무도회
르느와르 Auguste Renoir (1841 – 1919)
🔗도시의 무도회
🔗시골의 무도회
르누아르는 댄스 장면을 좋아했습니다.이 두 그림은 한 쌍으로 디자인되었습니다: 형식은 동일하고 거의 실물 크기의 인물들은 춤의 서로 다른 두 가지 측면을 나타냅니다.도시 무용수들의 우아한 자제력과 그들 주변의 시원한 무도장은 야외에서 펼쳐지는 컨트리 댄스의 유쾌함과 대조됩니다.
음악에 휩쓸린 부부는 어수선한 식탁을 남긴 듯한데, 모자가 전경에 떨어져 부주의함이 두드러집니다.두 패널 사이에는 색상에서도 많은 대비가 있으며, 수잔 발라돈의 시티 댄스 드레스에는 쿨하고, 르누아르의 미래 부인인 알리네 샤리곶에게는 따뜻하며, 컨트리 댄서에게 웃음을 선사합니다.하지만 그들의 차이점을 제외하고, 두 커플은 같은 춤의 시퀀스를 화신한 것처럼 같은 움직임에 의해 연결되어 있는 것처럼 보입니다.
⚜️댄스교습 (발레수업)
드가Edgar Degas (1834 – 1917)
🔗댄스교습(발레수업)
드가는 정기적으로 파리 오페라 하우스에 갔는데, 청중의 일원으로서뿐만 아니라 무대 뒤와 댄스 스튜디오에서 방문객으로서 오케스트라에서 연주한 친구의 소개를 받았습니다.그 당시, 오페라는 여전히 르 펠레티에에에 있었고 곧 그것을 대체할 가르니에가 설계한 건물로 아직 옮기지 않았습니다.1870년대부터 그의 죽음까지, 드가가 가장 좋아하는 주제는 직장에서, 리허설에서, 또는 휴식에서 발레리나들이었고, 그는 많은 자세와 몸짓의 변형으로 그 주제를 지칠 줄 모르고 탐구했습니다.
무대 공연과 스포트라이트 이상으로, 그의 관심을 끈 것은 훈련과 리허설이었습니다.수업이 끝나가고 있습니다. 학생들은 지쳐 있고, 기지개를 켜고, 등을 긁기 위해 몸을 비틀고, 머리나 옷, 귀걸이, 리본을 조정하고, 융통성 없는 선생님, 실제 발레 거장인 쥘 페로의 초상화에 거의 주의를 기울이지 않습니다.
드가는 가장 자발적이고, 자연스럽고, 평범한 몸짓, 집중력이 이완될 때의 멈춤과 연습의 지칠 줄 모르는 노력과 수업의 집념적인 엄격함을 면밀히 관찰했습니다.
스튜디오를 대각선 방향으로 바라보는 약간 올라간 시점은 바닥판의 사라지는 시점을 강조합니다.폴 발레리는 이렇게 썼습니다: “데가스는 땅에 진정한 중요성을 부여한 극소수의 화가 중 한 명입니다.그는 훌륭한 바닥을 가지고 있습니다.”미끄러짐을 방지하기 위해 촉촉하게 적신 파켓이 주 작업 도구라는 점에서 무용수들에게 더욱 적합합니다.그리고 발레 마스터는 지휘봉으로 바닥에서 박자를 맞춥니다.
⚜️다림질하는여인
드가Edgar Degas (1834 – 1917)
🔗다림질하는여인
⭐30실
⚜️독서하는여인
르느와르Auguste Renoir (1841 – 1919)
🔗독서하는여인
⚜️물랭드라칼레트
르느와르Auguste Renoir (1841 – 1919)
🔗물랭드라칼레트
이 그림은 의심할 여지 없이 1870년대 중반 르누아르의 가장 중요한 작품이며 1877년 인상파 전시회에서 전시되었습니다.비록 그의 친구들 중 일부가 사진에 등장하지만, 르누아르의 주요 목표는 부테 몽마르트르에 있는 이 인기 있는 댄스 정원의 활기차고 즐거운 분위기를 전달하는 것이었습니다.자연광과 인공광으로 목욕하는 움직이는 군중에 대한 연구는 활기차고 밝은 색상의 붓놀림을 사용하여 처리됩니다.그 장면의 다소 흐릿한 인상은 현대 비평가들로부터 부정적인 반응을 불러일으켰습니다.
르누아르의 예술적 야망의 표시인 혁신적인 스타일과 당당한 형식으로 대중적인 파리 생활을 묘사한 이 작품은 초기 인상주의의 걸작 중 하나입니다.
⚜️그네
르느와르Auguste Renoir (1841 – 1919)
🔗그네
뒤에서 본 젊은 남자가 그네를 타고 서 있는 젊은 여자와 이야기를 나누고 있는데, 어린 소녀와 다른 남자가 나무 줄기에 기대어 지켜보고 있습니다.르누아르는 마치 스냅샷처럼 뒤에서 본 남자를 향한 시선을 포착하여 대화를 놀라게 하는 듯한 인상을 줍니다.젊은 여성은 당황한 듯 시선을 돌리고 있습니다.전경에 있는 네 개의 숫자는 배경에 스케치처럼 스친 다섯 개의 숫자 그룹에 의해 균형이 잡힙니다.
스윙은 물랭 드 라 갈레트의 공과 많은 공통점을 가지고 있습니다.그 두 그림은 1876년 여름에 평행하게 그려졌습니다.스윙의 모델 에드몽, 오귀스트 르누아르의 동생, 화가 노르베르트 괴뉴트, 몽마르트르 출신의 젊은 여성 잔느가 무도회의 댄서들 중에 있습니다.같은 편안한 분위기가 두 사진 모두에 스며듭니다.The Ball에서처럼, 르누아르는 특히 나뭇잎에 의해 흔들리는 햇빛의 효과를 포착하기 위해 노력하고 있습니다.떨리는 빛은 특히 옷과 땅에 있는 옅은 색의 패치에 의해 렌더링됩니다.이것은 특히 그 그림이 1877년 인상주의 전시회에서 보여졌을 때 비평가들을 짜증나게 했습니다.그럼에도 불구하고 스윙은 Moulin de la Galette에서 The Ball을 구입한 구매자 구스타브 카유봇을 찾았습니다.
⭐29실
⚜️올랭피아
마네 Edouard Manet (1832 – 1883)
🔗올랭피아
올림피아와 함께 마네는 강하고 타협하지 않는 기술을 사용하여 여성 누드의 전통적인 주제를 재작업했습니다.주제와 묘사 모두 1865 살롱에서 이 그림으로 인한 스캔들을 설명합니다.마네가 티치안의 ‘우르비노의 비너스‘, 고야의 ‘마하데스누다‘, 이미 잉그레스 등이 다룬 그녀의 흑인 노예와의 오달리스크 주제 등 수많은 형식적이고 도상학적인 언급을 인용했음에도 불구하고, 이 그림은 진정한 현대 주제의 차갑고 평범한 현실을 묘사하고 있습니다.
비너스가 창녀로 변신, 계산적인 눈빛으로 시청자들에게 도전장을 던집니다.이상화된 나체에 대한 이러한 경멸은, 바로 학문적 전통의 토대가 되어, 폭력적인 반응을 불러일으켰습니다.비평가들은 조라를 선두로 한 마네의 동시대 소수 그룹에 의해 현대성이 옹호된 “노란 배 오달리스크”를 공격했습니다.
⚜️풀밭위에점심식사
마네 Edouard Manet (1832 – 1883)
🔗풀밭위에점심식사
1863년 살롱의 배심원들로부터 거절당한 마네는 르뱅이라는 제목으로 살롱 드 리퓌스(나폴레옹 3세에 의해 같은 해에 시작됨)에서 르뱅이라는 제목으로 전시를 했고, 그곳은 웃음과 스캔들을 유발했습니다.
그러나 Lédéjeuner sur’herbe에서 Manet은 유럽의 예술 유산에 경의를 표하며, 당시 조르지오네(루브르)의 작품으로 여겨지는 티치앙의 그림인 Concert champètre에서 그의 주제를 차용하고 Raphael의 파리 심판 이후 Marcantonio Raimondi 판화에서 중앙 그룹의 구성에 대한 영감을 얻었습니다.하지만 고전적인 언급은 마네의 대담함에 의해 균형이 잡혔습니다.옷을 입은 남자들 사이에서 나체의 여성이 존재하는 것은 신화적인 선례나 우화적인 선례에 의해서도 정당화되지 않습니다.이것과 현대 의상은 당시 대중의 눈에 이상하고 거의 비현실적인 장면을 외설적으로 만들었습니다.마네는 자신의 그림에 농담으로 “la partie carée”라는 별명을 붙였습니다.
그 당시 마네의 스타일과 대우는 주제 그 자체만큼이나 충격적인 것으로 여겨졌습니다.그는 그림의 밝은 요소와 어두운 요소 사이에서 전환을 하지 않았고, 잔인한 대비를 선호하여 일반적인 미묘한 눈금을 포기함으로써 그의 “블록에서 보는 광기”로 비난을 받았습니다.그리고 캐릭터들은 마네가 의도적으로 깊이와 원근법을 모두 배제한 숲의 스케치 배경에 불편하게 들어맞는 것처럼 보입니다.마네가 관습에 순응하는 것을 거부하고 전통적인 주제와 표현 방식으로부터 새로운 자유를 시작했다는 증거인 Le déjeuner sur’herbe는 아마도 현대 예술의 출발점으로 간주될 수 있습니다.
⚜️오르세미술관
⭐2층 테라스
⚜️지옥의문
로뎅Auguste Rodin
🔗지옥의문
19세기에, 오래된 감사실은 오르세 기차역의 자리에 서 있었습니다.1871년 화재로 파괴된 후, 코뮌 기간 동안, 장식 예술 박물관으로 대체할 계획이 있었습니다.1888년, 국가는 로댕에게 박물관 입구를 위한 기념비적인 문을 디자인하도록 의뢰했습니다.그것들은 단테의 신성 코미디를 대표하는 11개의 낮은 부조로 장식될 예정이었습니다.로댕은 15세기에 피렌체의 세례당을 위해 기베르티가 만든 유명한 문에서 영감을 얻었습니다.
3년 후, 그는 자신의 초기 모델에 만족했지만, 박물관 계획은 포기되었습니다.버려진 문들은 로댕에게 창조적인 저수지가 되었고, The Thinker와 The Kiss와 같은, 마침내 전체로부터 분리된 많은 인물들의 그룹을 제공했습니다.소수의 특권을 가진 비평가들만 볼 수 있었던 지옥의 문은 그 후 로댕의 무한한 창조적 천재성, 어떤 사람들에게는 아무것도 끝낼 수 없다는 상징적인 가치를 갖게 되었습니다.그것은 1900년 대전시회 때까지 전시되지 않았고 심지어 미완성 상태로 전시되었습니다.
맨 위에서, 세 가지 그림자의 그룹은, 사실, 매우 현대적인 접근법에서, 한 팔이 빠진 동일한 형상의 삼중 반복입니다.부두에서, 생각하는 사람(단테 자신)은 나락의 벼랑 끝에 있습니다.오른쪽 패널에서 우골리노를 볼 수 있습니다.왼쪽에는 파올로와 프란체스카가 넘어진 시체들 중 하나입니다.모든 것은 끓어오르는 용암에서 나옵니다.그 경련적인 태도는 절망, 슬픔, 그리고 우울증을 전달합니다.형태는 때때로 건축 요소를 대체할 정도로 구조를 침범합니다.
탁월함에 의한 상징주의 작품으로, 상상력을 자유롭게 돌아다니게 하고, 높은 안도감은 빛과 그늘의 놀이에 의해 불안정해진 불확실한 공간에서 인간 신체의 격렬함과 표현력을 방출합니다.오르세 미술관의 석고 모형은 1917년부터 시작되었습니다.지옥의 문은 물론 문 역할을 하지는 않지만 마침내 그들이 의뢰받은 장소에 서 있습니다.
⚜️로댕의 생각하는 사람
로뎅Auguste Rodin
🔗로댕의 생각하는 사람
이 작품은 오귀스트 로댕이 1880년부터 1904년까지 제작한 조각상이에요. 원래는 로댕이 ‘지옥문’이라는 대형 조각작업을 위해 만든 작은 모형이었어요. 그러나 로댕은 이 작품을 독립적인 작품으로 발전시켰고, 인간의 정신과 육체의 조화를 표현한 걸작으로 평가받고 있어요. 이 작품은 오르세미술관의 정문 앞에 설치되어 있으며, 로댕의 대표작 중 하나에요.
⚜️청동시대
로뎅Auguste Rodin
🔗청동시대
⚜️발자크
로뎅Auguste Rodin
🔗발자크
지 후, Gens 했습니다.조각가는 광범위한 연구 캠페인에 착수했습니다: 학자들과 전문가들과 이야기하고, 그가 지역의 물리적 유형을 연구했던 투레인으로 여행하고, 발자크의 특징에 대한 증거를 찾기 위해 저자에 의한 그리고 저자에 대한 텍스트를 자문했습니다.
그리고 나서 4년의 긴 임신 기간이 뒤따랐습니다.그는 다양한 누드 포즈를 취하기 전에 옷을 놓고 망설였습니다.
그는 마침내 1895년에 그 인물을 위한 구조물을 찾았고, 그의 초점을 커튼으로 옮겼습니다.조각가 퐁퐁에 따르면, 로댕은 “큰 석고 대야에 그의 드레스 가운을 적시고, 그 안에 그의 동상을 입혔습니다.”그 옷은 점점 더 단순해졌습니다.직물은 채워졌고 형태를 증폭시켰습니다: 로댕은 극적인 에를란이 하늘로 쓸 수 있는 인물을 원했습니다; 그는 작가의 힘의 거의 추상적인 상징을 만들었습니다.오직 머리만이 볼 수 있고, 뒤로 아치형의 몸을 지배합니다.그는 머리카락에 움직임을 만들었습니다.”옷 주름에 몸이 떨리고 소매는 비어 있는 이 강력한 동상에서 발자크는 거대한 머리를 뒤로 젖히고 야생 동물처럼 경계하며 눈, 콧구멍, 입술로 술을 마시며 소용돌이치는 소문, 인간 코미디의 열기를 향기롭게 합니다.” (앙드레 퐁티나스)
석고가 1898 살롱에서 전시되었을 때 비평가들은 형태 없는 블록에 경멸을 퍼부으며 열광했습니다.그들은 그것을 자루에 든 두꺼비, 아직도 싸여 있는 조각상, 소나기에 걸린 소금 덩어리와 비교했습니다.그들은 그것에 눈사람이라는 별명을 붙였습니다.협회는 기념비에 대한 모든 전통적인 관습을 깬 이 작품을 받아들이기를 거부했고, 현실적인 초상화에 대한 요구를 무시했습니다.그래서 로댕은 그 조각상을 보관하고, 돈을 돌려주었고, 그것을 사겠다는 모든 제안을 거절했습니다.1939년이 되어서야 파리의 Raspail 대로에 청동 주조물이 세워졌습니다.
⚜️우골리노
로뎅Auguste Rodin
🔗우골리노(로뎅)
로댕은 디바인 코미디가 그를 떠나지 않았다고 말했습니다. 그는 항상 그의 주머니를 가지고 있었습니다.그것은 단테가 여기서 묘사한 거대한 시에서 가장 어두운 에피소드 중 하나입니다.그들의 무덤이 될 감옥에서 그의 아들들과 함께 울타리를 친 우골리노 백작은 그들이 죽는 것을 지켜봤고 굶주림에 미쳐 그들의 살을 갉아먹고 그의 차례에 죽었습니다.
인간의 존엄성을 모두 박탈당한 우골리노의 방랑자들은 야수적인 상태로 전락했습니다.”바싹 마른, 수척해진 갈비뼈를 피부 밑으로 내밀고(…), 입을 벌리고 헐렁한 입술을 흘리며(…), 굶주린 삵의 침을 흘리며(…), 그는 마치 썩어가는 시체를 긁어낸 하이에나처럼 기어갑니다. 그의 팔과 다리는 심연 여기저기에 매달려 있습니다.”(옥타브 미르보)
이 그림은 중앙의 빈 공간을 중심으로 구성되어 있습니다. 고문당한 모델링, 아이들의 비뚤어진 몸, 기형적인 팔다리는 모두 병적이고 극적인 분위기를 강조합니다.이 구성은 또한 로댕이 나중에 체계적으로 사용한 조립 과정의 전제를 제시합니다: 벌거벗은 몸은 모양을 만들고 주조한 다음 조립되었습니다.그 후에 그들은 회반죽으로 코팅된 커튼으로 연결되었습니다.
⭐68실
⚜️뱀을다루는 여인
루쏘Henri Rousseau
독학으로 공부하고 만년에 그림을 그리기 시작한 루소는 여행을 거의 하지 않았습니다.그의 정글 대부분은 자연사 박물관과 파리의 식물원에 있는 큰 온실에서 그려졌습니다.아프리카 인상에 나오는 루셀처럼, 루소는 파리에서 그의 이국적인 꿈을 키웠습니다.
알프레드 제리, 안드레 브르타뉴, 기욤 아폴리네르, 로버트 들로네이, 파블로 피카소가 그의 가장 열렬한 숭배자들 중에 있었습니다.들로네의 어머니가 이 캔버스를 의뢰했습니다.루소는 피카소에게 “기본적으로, 당신은 내가 현대 스타일로 하는 것을 이집트 스타일로 합니다.”라고 말했습니다.그의 말은 놀랍고 심지어 웃기게 보일 수도 있지만, 뱀의 매력에 대한 모든 것은 새로운 것입니다: 우선 주제는 불안한 에덴 동산의 검은 이브, 창세기의 뱀이 유혹적이었던 것처럼 무서운 뱀을 유혹하는 것입니다.그런 다음 스타일: 밝고 밀도 높은 색상, 백라이트, 마그리트와 같은 화가의 색상을 예상하는 그림, 정밀하고 순진한 그림, 비대칭성에서 혁신적인 수직 구성.
인간의 모습, 동물들, 그리고 이상한 식물들은 모두 똑같이 세심한 주의를 기울여 그려졌습니다.이 여성은 야생의 자연을 매혹하거나, 오히려 이상한 침묵 속에서 여전히 자연을 변화시킵니다.이 캔버스의 환상적인 세계는 초현실주의를 예고합니다.
⚜️전쟁
루쏘Henri Rousseau
🔗전쟁
1870년 프랑스-프로이센 분쟁과 1871년 루소가 전쟁을 그린 코뮌 이후 20년 이상이 지났지만, 그는 여전히 이러한 사건들에 의해 매우 많은 영향을 받았습니다.가운데에는 얼굴을 찡그리는 여성 캐릭터가 칼과 횃불을 들고 있습니다.로마의 전쟁의 여신인 벨로나는 잡종 괴물처럼 보이는 말을 타고 있습니다.어두운 땅은 까마귀들이 이 사람의 살을 뜯어먹는 시체 더미로 뒤덮여 있습니다.나무들이 새까맣게 탔습니다.구름이 빨갛습니다.루소는 일화나 서사적인 요소 없이, 그 드라마를 이미지로 전달합니다.특히 들쭉날쭉한 모양의 수와 색상의 선택은 모두 이것에 기여합니다: 희망의 녹색은 완전히 없습니다; 애도와 피의 색인 검은색과 빨간색이 지배합니다.
전쟁의 가능한 출처 중 하나는 명확합니다.일종의 “날아다니는 질주”인 말의 자세는 제리코의 엡솜 더비 (1821년 파리, 루브르 박물관)에 나오는 말들의 자세와 정확히 일치합니다.하지만, 사진을 통한 이 움직임의 분석 덕분에, 루소의 시대에는 이 위치 결정이 불가능했고, 말이 달리는 동안에는 절대 일어나지 않는다는 것이 알려져 있었습니다.호들러의 밤도 그 출처로 인용될 수 있습니다.1891년 프랑스 예술가 살롱에서 전시되었을 때 큰 파문을 일으켰던 이 그림에서, 그림의 평면에 평행하게 뻗은 시체들, 색깔의 범위, 그리고 구성의 중심에 죽음의 존재는 모두 호들러가 루소에게 제안했을 수 있는 요소들입니다.
1894년 독립 미술관에서, 전쟁은 비꼬거나, 강압적인 외모 때문에, 또는 완전히 독립적인 스타일의 결과로 열정적으로 받아들여졌습니다.그래서 젊은 화가 루이 로이는 르 메르쿠레 드 프랑스에서 이렇게 썼습니다: “이 그림은 이전에 본 어떤 것도 불러일으키지 않기 때문에 이상하게 보일 수 있습니다.그것은 그 자체로 훌륭한 자질이 아닌가요?[루쏘]는 오늘날 완전히 자신만의 스타일을 가지고 있다는 드문 장점을 가지고 있습니다.그는 새로운 예술을 향해 나아가고 있습니다.”
⚜️오르세미술관
⭐1실
⚜️샘
앵그르 Jean Auguste Dominique Ingres (1780 – 1867)
🔗샘
이 캔버스는 약 1820년에 시작되었지만 1856년까지 완성되지 않았습니다.그런 다음 잉그레스는 큰 형식을 위한 일반적인 관행인 그의 제자 두 명의 도움을 받았습니다.조각에 적합한 기법이 님프의 치료에 미친 영향은 놀랍습니다.서 있는 누드 피규어는 마치 오목한 곳처럼 수직 형태로 삽입됩니다.모델의 포즈와 관련된 이 구조는 더 스프링에게 대리석 조각상의 부동성을 제공합니다.잉그레스가 지도자였던 신고전주의 운동을 위한 고대 조각상의 중요성을 고려할 때 그 비교는 놀라운 일이 아닙니다.
그 당시의 미술 비평가들은 이상적인 아름다움의 인물을 창조하려는 화가의 욕망과 현실주의의 몫에 대해 궁금해했습니다.피부의 질감을 암시하고 살이 있는 듯한 착각을 주듯 몸의 곡선 위에 붓놀림이 덜 빛나고 더 벨벳처럼 보입니다.비록 잉그레스가 선과 그림에 대한 강조에서 데이비드의 고전적인 가르침에 충실했지만, 그는 이 틀을 뛰어넘었고 그의 혁신적인 스타일은 드가와 피카소와 같은 예술가들에게 길을 열어주었습니다.길쭉한 차체는 곡선을 그리는 놀이의 구실이 되며, 모델링 처리는 비정상적인 단순화를 초래하고 깊이가 부족하여 실루엣의 존재를 강조합니다.
그것의 첫 번째 주인인 Duchatel 백작의 집에서, 그 그림은 “봄의 님프가 훨씬 더 실제 사람처럼 보이도록 큰 식물들과 수중 꽃들로 둘러싸여 있었습니다.”테오필 고티에는 현실과 이상의 합성에 대해 다음과 같이 설명했습니다: “이렇게 생명과 빛으로 가득 찬 유연하고 신선한 살점이 겸손한 나체로 우리의 눈에 제공된 적은 없었습니다.이번의 이상은 트롬프로오일이 되었습니다.”
⭐2실
⚜️비너스의 탄생
알렉산드로 카바넬 Alexandre Cabanel (1823 – 1889)
비너스의 탄생은 나폴레옹 3세에 의해 개인 소장품으로 구입된 1863년 살롱의 큰 성공 중 하나였습니다.그의 경력 내내 수많은 상을 받은 화가인 카바넬은 그 당시 Ecole des Beaux-Arts에서 가르치고 살롱을 운영하는 데 중요한 역할을 했습니다.그의 거장 기법의 전형적인 이 그림은 그 시대의 대중적이고 공식적인 예술적 취향을 보여주는 완벽한 예입니다.
제2제국의 절충주의 정신으로, 그는 잉그레스에 대한 언급과 18세기 그림 스타일을 결합합니다.
카바넬은 비너스가 바다 거품으로 태어나 해안으로 운반되는 고전 신화의 유명한 일화를 소재로 삼았습니다.19세기에 매우 인기 있었던 이 주제는 일부 예술가들에게 고전적인 주제를 대표한다는 핑계로 공공 도덕성을 위반하지 않고 에로티즘을 도입할 수 있는 기회를 제공했습니다.카바넬에게 신화적 주제는 이상화되었지만, 그럼에도 불구하고 호색적인 포즈로 묘사되는 나체 인물의 묘사를 위한 구실입니다.
에밀 졸라는 이 애매모호함을 비난했다: “우유바다에 빠진 여신은 맛있는 궁녀와 닮았지만, 살과 피가 있는 것은 외설적인 것이 아니라 분홍색과 흰색 마지팬으로 만들어졌습니다.”따라서 작가는 창백하고 매끄럽고 불투명한 팔레트의 사용을 개탄하고 있었습니다.
같은 해, 에두아르 마네의 올림피아는 스캔들을 일으켰습니다.그 두 그림의 주제는 동일하다: 뒤로 젖혀진 나체.하지만 마네의 피사체가 다시 보는 사람을 응시하는 차분한 확신은 카바넬의 비너스의 나른한 포즈보다 훨씬 더 자극적으로 보입니다.
⭐4실
⚜️이삭줍는 여인들
Des glaneuses 1857
밀레Jean-François Millet
🔗이삭줍기
이 작품은 1857년에 그려진 장 프랑수와 밀레의 대표작 중 하나에요. 밀레는 그림의 주제에 대한 정치적 관점을 분명히 드러냈어요. 이 작품에는 상류층을 비판하기 위해 전원적 풍경과 노동을 즐겨 그린 밀레의 세계관이 잘 담겨 있어요. 전경을 차지하고 있는 여인들 세 명은 열심히 일을 하고 있어요. 밀레는 노동하는 농민에게 강조점을 부여함으로써 사회 비판적 메시지를 간접적으로 부각시켰어요.
밀레가 가장 좋아하는 주제 중 하나인 농민 생활에 충실한 이 그림은 이삭 줍는 사람들의 주제에 대한 10년간의 연구의 정점입니다.
이 여성들은 농촌 노동자 계급을 화신시킵니다.그들은 수확자들이 놓친 밀 더미를 하나씩 줍기 위해 해질녘에 들판을 빠르게 지나갈 수 있도록 허가 받았습니다.
화가는 그들 중 세 명이 앞에서 두 번 구부리고 눈이 땅을 긁고 있는 것을 보여줍니다.
따라서 그는 이 감사할 줄 모르는 작업에 의해 부과된 허리를 꺾는 반복적인 움직임의 세 가지 단계, 즉 몸을 구부리고, 들어올리고, 다시 몸을 펴는 것을 병치합니다.
그들의 긴축 정책은 멀리서 풍년이 드는 것과는 대조적입니다. 건초 더미, 밀 한 다발, 수레, 그리고 바쁜 수확자 무리입니다.갑자기 규모가 바뀌면서 축제 분위기가 한층 더 멀어졌습니다.
석양의 비스듬한 빛은 전경의 볼륨을 강조하고 이삭을 줍는 사람들에게 조각적인 느낌을 줍니다.그것은 그들의 손, 목, 어깨 그리고 등을 골라내고 그들의 옷 색깔을 밝게 합니다.
그리고 나서 밀레는 천천히 가루 같은 황금빛 아지랑이로 거리를 번지고, 배경에 있는 장면의 목가적인 인상을 강조합니다.
오른쪽에 고립된 말을 탄 남자는 아마도 스튜어드일 것입니다.토지에 대한 작업을 감독하는 책임자로서, 그는 또한 청소부들이 그들의 작업을 관리하는 규칙을 존중하도록 확실히 합니다.
그의 존재는 그가 대표하는 지주들을 상기시킴으로써 사회적 거리감을 더합니다.
단순하고 냉정한 그림 절차를 통해 그림 같은 일화를 사용하지 않고, 밀레는 확실히 가난하지만 못지 않게 위엄 있는 이삭 줍는 사람들에게 비참함의 기미가 없는 상징적인 가치를 합니다.
⚜️만종
L’Angélus 1857
밀레Jean-François Millet
🔗만종
한 남자와 여자가 천사 가브리엘이 마리아에게 한 발표를 기념하는 기도인 천사의 노래를 낭송하고 있습니다.그들은 감자 캐는 것을 중단했고 이 작업에 사용되는 모든 도구인 감자 포크, 바구니, 자루 및 손수레가 그들 주위에 흩어져 있습니다.1865년, 밀레는 “우리가 들판에서 일하는 동안 교회 종소리를 들은 할머니가 가난한 사람들을 위한 안젤루스 기도가 떠났다고 말하기 위해 항상 일을 멈추도록 했다는 것을 기억했기 때문에 천사에 대한 아이디어가 나에게 떠올랐습니다”라고 말했습니다.그래서 그것은 그 그림 뒤에 있는 어린 시절의 기억이었고 어떤 종교적인 감정을 미화하려는 욕망이 아니었습니다. 게다가 밀레는 교회에 가는 사람이 아니었습니다.그는 단순한 장면에서 농민 생활의 불변의 리듬을 포착하고 싶었습니다.여기서 그는 잠깐의 휴식, 잠시의 휴식에 집중했습니다.
거대한 텅 빈 평원의 전경에 홀로 있는 두 농민은 캔버스의 작은 크기에도 불구하고 기념비적인 특성을 띠고 있습니다.그들의 얼굴은 그림자로 남아 있고, 빛은 그들의 몸짓과 자세를 강조합니다.캔버스는 깊은 명상의 느낌을 표현하고 밀레는 일화를 넘어 원형으로 나아갑니다.
아마도 그것이 안젤루스의 비범한 운명을 설명할 수 있을 것입니다: 그것은 루브르 박물관이 1889년 그것을 사려고 했을 때 믿을 수 없을 정도로 애국적인 열정의 쇄도를 촉발했고, 살바도르 달리에 의해 숭배되었고, 1932년 미치광이에 의해 찢겨졌고, 20세기에 세계적으로 유명한 아이콘이 되었습니다.
⭐6실
⚜️세상의기원
크루베 Gustave Courbet (1819 – 1877)
🔗세상의기원
아마도 그것을 의뢰했을 세계의 기원의 첫 번째 주인은 터키-이집트 외교관 Khalil-Bey (1831-1879)였습니다.1860년대 파리 사회의 화려한 인물이었던 그는 도박 빚으로 망하기 전에 여성의 몸을 기념하기 위해 일시적이지만 눈부시게 빛나는 컬렉션을 만들었습니다.그 후 그림에 정확히 무슨 일이 일어났는지는 명확하지 않습니다.1995년 오르세 미술관의 컬렉션에 합류하기 전까지 – 그 무렵 그것은 정신 분석가 자크 라캉의 것이었습니다 – 세계의 기원 – 실제로 거의 볼 수 없는 유명한 그림의 역설을 요약했습니다.
쿠르베는 정기적으로 여성 누드화를 그렸고, 때로는 솔직하고 자유로운 분위기로 그렸습니다.하지만 “***세계의 기원”***에서 그는 대담하고 솔직하여 그의 그림에 독특한 매력을 주었습니다.여성 성 기관에 대한 거의 해부학적 묘사는 역사적 또는 문학적 장치에 의해 약화되지 않습니다.하지만 쿠르베의 훌륭한 기교와 호박색 체계의 정교함 덕분에, 그 그림은 포르노의 지위에서 벗어납니다.이 대담하고 솔직한 새로운 언어는 그럼에도 불구하고 전통과의 모든 연결을 끊지 않았습니다: 풍만하고 감각적인 붓놀림과 색의 사용은 베네치아 회화를 상기시키며 쿠르베 자신은 티치안과 베로나, 코레조, 그리고 육체적이고 서정적인 회화의 전통에서 유래했다고 주장했습니다.
현재 공개적으로 전시되고 있는 세계의 기원은 현대 회화의 역사에서 적절한 위치를 차지하고 있습니다.하지만 그것은 여전히 관음증의 골치 아픈 문제를 제기합니다.
⭐7실
⚜️오르낭의 매장
크루베 Gustave Courbet (1819 – 1877)
🔗오르낭의매장
⚜️화가에 아뜰리에
크루베 Gustave Courbet (1819 – 1877)
🔗화가에 아뜰리에
거대한 스튜디오는 의심할 여지 없이 쿠르베의 가장 신비로운 구성입니다.하지만, 그는 그것의 해석에 대한 몇 가지 단서를 제공합니다: “전 세계가 나에게 그림을 그리러 오고 있다.”라고 그는 선언했습니다. “오른쪽에는 모든 주주들, 즉 친구, 동료 노동자, 예술 애호가들이 있습니다.왼쪽에는 일상 생활의 다른 세계, 대중, 비참함, 가난, 부, 착취당하는 사람들, 착취당하는 사람들, 죽음으로 생계를 유지하는 사람들이 있습니다.
첫 번째 그룹, 오른쪽 그룹에서, 우리는 예술 수집가 알프레드 브루야스의 수염을 기른 옆모습과 우리를 마주하고 있는 그의 뒤에 있는 철학자 프루동의 모습을 알아볼 수 있습니다.비평가 챔플러리는 의자에 앉아 있고 보들레르는 책에 열중하고 있습니다.전경에 있는 커플은 예술 애호가들의 의인화하고, 창문 근처에는 두 연인이 자유로운 사랑을 상징합니다.
‘일상’의 측면에서 우리는 신부, 상인, 나폴레옹 3세를 다소 닮은 사냥꾼, 심지어 가난을 상징하는 실직 노동자와 거지 소녀를 발견합니다.우리는 또한 남성 모델과 함께 전통적인 학예를 비난하는 기타, 단도, 모자도 볼 수 있습니다.
이 거대한 우화, 진정한 선언문 그림에서, 각각의 인물은 다른 의미를 가집니다.그리고 이 모든 것의 한가운데에 쿠르베 자신이 서 있고, 자비로운 인물들이 옆에 서 있습니다. 진실처럼 벌거벗은 여성 뮤즈, 아이와 고양이입니다.중앙에서 화가는 자신을 중재자로 내세웁니다.따라서 쿠르베는 역사 그림의 규모에 해당하는 거대한 장면에서 사회에서 예술가의 역할을 확인합니다.1855년 세계 박람회를 위해 의도된 그의 그림이 거절당했을 때, 쿠르베는 자신의 비용으로 “사실주의 파빌리온”을 지었습니다.공식 행사 밖에서, 그는 그의 작품이 사회 전체에 이용될 수 있도록 오르난스의 매장을 포함한 자신의 전시회를 조직했습니다.
⭐14실
⚜️마네 피리부는 소년
마네 Edouard Manet (1832 – 1883)
🔗마네 피리부는 소년
스페인식 방식과 주제로 자신의 재능을 발산할 수 있는 배출구를 찾은 마네는 1865년까지 스페인과 프라도 박물관을 방문하지 않았습니다.그는 특히 벨라스케스의 파블로 데 바야돌리드에게 깊은 인상을 받았고 그의 친구인 판틴 라투르에게 이렇게 말했습니다.배경이 사라집니다. 검은 옷을 입고 생기가 넘치는 사람을 둘러싸고 있는 것은 공기입니다.”
그가 파리로 돌아왔을 때, 마네는 이 원칙들을 현대 주제에 적용했습니다.따라서 밴드의 평범하고 이름이 알려지지 않은 아이는 스페인의 대지주처럼 취급됩니다.마네는 기존의 표현 계층을 뒤엎을 뿐만 아니라 대담하게 단순화된 언어를 사용합니다. 견고한 색상 영역, 검은색 부분에서 매우 분명함, 살과 악기 케이스에 대한 몇 가지 모델링 효과, 직물의 주름에 밑줄을 긋는 흰색의 두꺼운 줄무늬.팔레트는 폭이 좁고 지면의 수평면과 배경의 수직면 사이에 가장 희미한 경계선이 있으며, 상당히 균일한 회색과 완전히 평평하게 칠해져 있습니다.
1866년 살롱의 배심원들에 의해 거부된 이 작품은 마네에 대한 에밀 졸라의 열정을 불태운 작품들 중 하나입니다.작가는 접근법과 방식의 진실성 속에서 진정한 현대적인 느낌을 감지했습니다.
⚜️오르세미술관
⭐0층 중앙테라스
⚜️춤
카르포Jean-Baptiste Carpeaux
🔗춤
⚜️우골리노
카르포Jean-Baptiste Carpeaux
🔗우골리노(카르포)
Cartpeau는 Canto XXX에서 영감을 얻었습니다.베르길리우스가 이끄는 작가와 우골리노 델라 헤라르데스카 사이의 지옥에서의 만남을 묘사한 단테의 신 희극의 3세.백작은 그가 겪은 벌을 자세히 설명합니다.
13세기 피사에서 구엘페스의 지원을 받은 교황에 대항하여 황제를 지지한 기벨린의 당을 배신한 우골리노는 탑에 투옥되었습니다.그의 경쟁자인 대주교 우발디니는 그를 감옥에서 굶어 죽게 비난했습니다.전설에 따르면, 우골리노는 그의 감방을 공유했던 그의 아들들과 손자들을 먹고 죽었다고 합니다.
카르포는 1857년부터 1861년까지 이 그룹을 조각했고, 로마에 있는 빌라 메디치에서 그의 체류의 한계를 극복했습니다.그 예술가는 고대나 성경에서 그려진 주제를 가진 한 두 개의 인물만을 갖는 학문적 기준을 존중하지 않았습니다.책망을 무시하고, 그는 친구에게 보낸 편지에서 “가장 폭력적인 열정을 표현하고 가장 섬세한 부드러움 속에 섞이는” 것을 선호했습니다.
각각의 아이들은 죽음을 향한 단계를 나타냅니다.아버지의 고통과 고뇌의 표현: 긴장된 얼굴, 손과 발, 그의 몸, 특히 그의 등의 신경질적인 모델링은 미켈-앙겔로의 작품과 제리코의 라도 드 라 메두세에 대한 카르포의 신중한 연구를 증명합니다.
